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Autofocus sans mécanique

 5 juillet 2012

En photographie, faire la mise au point c’est déplacer une lentille, ce qui nécessite un tant soit peu de mécanique. Qui dit mécanique dit fragilité, coût élevés et consommation énergivore  pour l’asservissement. De plus, l’inertie irréductible d’un dispositif mécanique induit une latence, qui est source de frustration pour l’utilisateur. Toutefois plusieurs approches innovatrices permettent de s’en affranchir. ( extrait de " ELEKTOR " magazine d'electronique )

3 techniques  differentes :

1- lensvector

2- variotic

3- polight

                       Tendance de la photographie contemporaine

                                           article du Centre Pompidou

La pratique de la photographie, depuis une trentaine d’années, s’est rapprochée du milieu des arts plastiques, au point de devenir l’un des domaines où sont abordées les problématiques artistiques les plus pertinentes par rapport au monde actuel.
La photographie contemporaine se distingue d’une pratique de la photographie classique par de nombreux aspects.
En particulier, elle a su se libérer des « deux alibis » que dénonçait Roland Barthes dans un article de 1977 : « tantôt on sublime [la photographie] sous les espèces de la "photographie d’art" qui dénie précisément la photographie comme art ; tantôt on la virilise sous les espèces de la photo de reportage, qui tire son prestige de l’objet qu’elle a capturé ». La photographie intéressait pour des qualités issues de l’ingéniosité du photographe ou en tant que témoignage héroïque. A partir de la fin des années 70, elle commence à être utilisée pour ses caractéristiques propres.

Tout d’abord, elle est pensée comme un outil conceptuel plutôt que technique.
C'est le cas chez Bernd et Hilla Becher, souvent apparentés à l’art conceptuel. Ils photographient de manière systématique des bâtiments industriels avec une technique traditionnelle, desquels ils dégagent une approche esthétique et documentaire. Leur enseignement à Düsseldorf influence toute une génération d’artistes, Thomas Ruff et Andreas Gursky, entre autres, dont les photographies monumentales, retravaillées par la technique numérique, explorent les limites du réalisme.
Cindy Sherman, quant à elle, interroge les effets de la multiplication des images, due aux mass media, sur notre interprétation du réel et nos comportements.

Certains artistes, comme Sophie Calle, revendiquent même le fait d’ignorer les subtilités des manipulations techniques. Ils font appel, le cas échéant, à des photographes professionnels pour réaliser leurs clichés. Car l’essentiel de leur travail est ailleurs, la photographie ne représentant qu’un des éléments visuels de leur projet.
Ce dédain pour la technique et le métier se manifeste aussi par l’utilisation d’appareils autofocus et, surtout, de la pellicule couleur qui renvoie à une pratique grand public. Ainsi, certains photographes s’appuient sur le modèle de l’album de famille, multipliant les clichés pour dérouler une narration, souvent intime et autobiographique, comme c'est le cas pour Nan Goldin.

Mais la photographie couleur peut aussi être utilisée pour ses qualités purement plastiques et jouer avec les composantes de l’image comme dans une œuvre picturale. Car, en dernier lieu, un grand nombre de photographes utilise ce médium pour créer des images autonomes, de même que les peintres se servent des couleurs pour réaliser leur tableau.
Pour Jeff Wall, par exemple, si la photographie est un moyen « up to date » pour créer des images qui s’inscrivent sans anachronisme dans notre monde moderne, il la conçoit aussi dans le prolongement des problématiques picturales classiques.
De même, Jean-Marc Bustamante cherche à « faire des photographies qui aient valeur de tableau » et qui proposent des représentations plutôt que des reproductions.

Trois orientations majeures marquent donc la pratique de la photographie contemporaine : celle du document qui contrarie ou sublime la réalité, celle de la narration qui se rapproche du cinéma et celle de la tradition picturale qui donne à voir des tableaux. Une artiste comme Suzanne Lafont parvient toutefois à interroger ces aspects en pratiquant la photographie non pas pour « cataloguer le monde » mais pour « trouver une nouvelle relation entre le monde et [cet] instrument ».

                          

                                Photographie Contemporaine 

                          Approche et Définition , selon John Smith

Définition de la photographie
Une photographie c'est un objet que je peux faire imprimer chez un photographe (pages jaunes de l'annuaire ), éventuellement mettre sous cadre et accrocher dans mon salon. Cette définition a le mérite immense de qualifier tous ce que l'on appelle photographie argentique, tout ce que l'on appelle photographie digitale ou numérique et un certain nombre d'autres choses sur lesquelles nous reviendrons. Je laisse le lecteur trouver des exemples où des contre-exemples.


Définition de la photographie contemporaine et de la photographie classique.
Ma réponse a varié dans le temps.
Une photographie contemporaine est une photographie que n'aurait pas faite la génération précédente de photographes.
Cette définition me plaît infiniment et représente une bonne approche. Elle pose un problème : Un photographe contemporain en 1980 ne serait plus contemporain en 2010? Essayons encore en faisant un parallèle avec la danse classique/contemporaine.
Un photographe classique est un photographe qui tente de rendre une photographie au plus près de son négatif. L'acte de la prise de vue reste alors l'acte photographique par excellence.
Un photographe contemporain a le même rapport à son négatif que le couturier à son étoffe. L'acte de la prise de vue reste important mais le négatif, comme l'étoffe, sont faits pour être révélés, mis en forme.

Ces définitions ne m'apportent que du bonheur. Ainsi, Man Ray et Jean Paul Goude sont des photographes contemporains alors que Raymond Depardon est essentiellement un photographe classique.

Conclusion
Le lecteur attentif aura noté que la question des relations entre photographie contemporaine et art contemporain ne se pose pas ici. La réponse est simple et a été déjà résolue: Les relations entre l'art contemporain et la photographie sont les mêmes qu'entretiennent la danse et l'art contemporain.

                « Le Tableau et les modèles de l’expérience photographique »,

                                          Jean François Chevrier

Qu’est-ce que l’art au 20e siècle ?, Fondation Cartier pour l’art contemporain, ENSBA, 1992

« Pendant longtemps et jusqu’à une date très récente – que je situerais, d’après ma propre expérience, au milieu des années 80 – l’historien de la photographie, qui ne voulait pas tourner le dos à son époque, était conduit à adopter, à l’égard de la création contemporaine une attitude très volontariste. Il voulait que des œuvres existent mais elles n’existaient pas. La photographie contemporaine était méprisée, marginalisée, sans qu’aucune œuvre ne fut assez convaincante pour briser ce préjugé négatif […]. Grâce à des artistes comme Cindy Sherman, Jeff Wall, Thomas Struth, Patrick Tosani, Jean-Marc Bustamante, John Coplans, Craigie Horsfield, Suzanne Lafont, la photographie est aujourd’hui considérée comme un outil parmi d’autres, comme un outil légitime, pour produire des images artistiques. Des photographies sont exposées sur des murs de musées et de galeries, comme des tableaux, en tant que tableaux.

On peut encore entendre des plaintes, de la part des peintres et des amateurs de photographie. Les uns comme les autres considèrent que l’image photographique n’est pas faite pour les murs mais pour la page imprimée (des livres, des magazines, des journaux) ou, sous une autre forme, plus intime, plus précieuse, pour les cartons de documentation, les albums, les boîtes d’archives. A vrai dire, cette conception de la photographie est depuis longtemps dominante. […]. Pour ma part, je peux comprendre parfaitement que l’on veuille éviter à la photographie de rentrer dans le rang des beaux-arts, mais, malheureusement, il semble que, au nom de ce bon principe, on veuille surtout la protéger de l’art moderne et de tout ce qui le distingue, précisément, dans sa négativité, dans ses refus, de la double tradition des beaux-arts et des arts appliqués. Ceux-là mêmes qui revendiquent pour la photographie une fonction sociale plus large que la production strictement artistique, semblent n’avoir retenu de l’art moderne et contemporain que les effets les plus superficiels : en bref, tout ce qui peut servir à la publicité, tout ce qui est facilement récupérable dans une économie de l’image fondée sur l’efficacité mécanique.

La photographie, appliquée à la mode, à la publicité, à l’information de choc (le fameux « choc des photos »), reste évidemment un outil privilégié de cette économie, même si la télévision a pris le dessus. Mais elle peut apparaître également comme le refuge des valeurs traditionnelles de la création artistique exaltées dans le système des beaux-arts. Le photographe peut apparaître comme l’artiste type, qui s’est donné un métier et transforme patiemment en œuvre une expérience du monde médiatisée par ce métier. Cette image n’est pas absurde, mais elle paraît aujourd’hui trop nostalgique pour être acceptable. La seule attitude convaincante se situe plutôt dans le mince écart qui sépare le refus de l’efficacité médiatique du retrait passéiste. Or, cet écart est sans doute le meilleur héritage de l’art moderne. C’est lui qui permet à un artiste d’être « contemporain » sans adhérer à l’inévitable conformisme de son époque. En d’autres termes, je dirais que la photographie, située entre les beaux-arts et les médias, permet à certains artistes de réinventer l’art moderne.

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